Tworzenie scenorysów to świetny sposób na zaplanowanie filmu i stworzenie jasnej wizji dla każdej sceny, a rozpoczęcie pracy jest naprawdę łatwe! Przygotowaliśmy przewodnik, który przeprowadzi Cię przez wszystko, co musisz wiedzieć o rysowaniu własnych scenorysów jak profesjonalista. Zapoznaj się z poniższymi krokami, aby dowiedzieć się, jak utworzyć szablon storyboardu, wymyślić ciekawe ujęcia i wypełnić swoje storyboardy rysunkami, dialogami i wszelkimi ważnymi notatkami.
Kroki
Metoda 1 z 3: Storyboarding sceny
Krok 1. Uzupełnij swój skrypt przed rozpoczęciem tworzenia scenorysów
Jeśli skrypt jest szablonem brzmienia filmu, storyboard jest szablonem tego, jak będą wyglądać. Scenorysy to sposób, w jaki wizualizujesz, jak aktorzy, rekwizyty, tła i kąty kamery będą pasować do siebie w określonej scenie lub sekwencji ujęć. To Twoja szansa na wizualne odwzorowanie filmu, zanim drogie kamery, aktorzy i ekipy będą czekać na planie.
To powiedziawszy, jednym z zadań storyboardzisty jest wzięcie scenariusza i ulepszenie go poprzez dodanie elementów wizualnych. Zanim zaczniesz, musisz poznać pełny łuk historii
Krok 2. Narysuj kwadraty dla każdej sceny, pozostawiając miejsce na dialog pod spodem
Kiedy już napiszesz swój scenariusz i zorientujesz się, co wydarzy się w Twoim filmie, zdobądź papier lub tablicę plakatową, na której zmontujesz swój storyboard. Podobnie jak w komiksie, każdy kwadrat reprezentuje ujęcie lub scenę, a przestrzeń pod spodem to miejsce, w którym wypełniasz dialog, notatki lub akcję.
Chociaż możesz narysować własne plansze, istnieje wiele bezpłatnych szablonów online, które możesz wydrukować, aby natychmiast rozpocząć szkicowanie
Krok 3. Ustal lokalizację i wszelkie ważne obiekty w pierwszym pudełku sceny
Najważniejszą funkcją storyboardu jest pokazanie, jak będzie wyglądało ujęcie. Na pierwszej tablicy będziesz potrzebować wszystkich niezbędnych szczegółów, aby ludzie, którzy ją czytają, wiedzieli, gdzie się znajdują. Zastanawiając się, co uwzględnić, zawsze zadawaj pytanie: „czy jest to niezbędne do zrozumienia sceny?”
- Za każdym razem, gdy zmieniasz lokalizację, musisz narysować nowe tło. Pamiętaj, że opowiadasz historię wizualnie. Spróbuj sobie wyobrazić, co byś musiał zobaczyć, gdyby to był film.
- Jeśli tło nie zmienia się między ujęciami, możesz pozostawić je puste i skupić się na akcji.
Krok 4. Użyj strzałek i notatek, aby pokazać ruch lub zmiany
Na przykład, jeśli chcesz, aby jedna postać uderzyła drugą, nie musisz rysować pięciu ramek jego pięści poruszającej się powoli w kierunku twarzy. Zamiast tego narysuj jedną ramkę pięści ze strzałką wskazującą ruch.
Możesz także użyć strzałek, aby wskazać ruchy kamery, takie jak panoramowanie lub przechylanie
Krok 5. Wypełnij dialogi i dźwięki sceny pod rysunkiem
Pamiętaj, że w zasadzie tworzysz komiksową wersję filmu, więc powinieneś również dodać niezbędne efekty dźwiękowe. Nie martw się, jeśli wszystko nie pasuje – po prostu dajesz reżyserowi i ekipie znaczniki, gdzie dźwięk jest dopasowany, więc elipsy („…”) mogą pomóc.
Krok 6. Zrób nową klatkę dla każdej znaczącej akcji lub ruchu kamery
Ilekroć coś się dzieje, potrzebuje własnego pudełka. Jeśli ciągniesz rozmowę, będziesz chciał przełączać się z jednej postaci na drugą, gdy mówią, a także kilka ujęć obu z nich jednocześnie. Musisz narysować każdą z tych zmian indywidualnie.
Nie możesz po prostu narysować 1-2 pudełek i powiedzieć „alternatywne strzały” podczas rozmowy. Wyobraź sobie scenę, w której matka jest zła na syna za stłuczenie lampy. Pokazywanie wszystkiego od smutnego lub przestraszonego syna to zupełnie inna scena niż pokazywanie przez cały czas wściekłej mamy, cięcie tam iz powrotem lub pokazywanie zepsutej lampy
Krok 7. Wypełnij niezbędne uwagi dotyczące ruchu, dźwięków lub efektów specjalnych
Jeśli scena wymaga odrobiny fałszywej krwi, zanotuj to za pomocą czerwonego długopisu lub zanotuj. Jeśli strzał wymaga długiego, ciągłego ujęcia, użyj strzałek, aby wskazać, jak to wszystko płynie razem. Chociaż istnieją odpowiednie terminy na to wszystko, najważniejszą rzeczą jest wizualne opowiedzenie historii, jak tylko możesz. Jeśli ma to sens jako przewodnik po filmowaniu, umieść go.
Jeśli kamera nie tnie, ale dzieje się wiele rzeczy, możesz użyć wielu pudełek do jednego „cięcia”. Zawsze, gdy coś się dzieje, potrzebujesz nowego pudełka, nawet jeśli kamera się nie porusza
Metoda 2 z 3: Ulepszanie scenorysów
Krok 1. Znajdź sposoby wizualnego wyrażenia motywów skryptu
Nie pozwól, aby skrypt „mówił sam za siebie”; Najlepsze filmy są powiązane tematycznie na wszystkich poziomach: pisanie, tworzenie scenariuszy, efekty dźwiękowe, aktorstwo itp. Twoim zadaniem jest wziąć dobry scenariusz i przekształcić go w świetne wizualizacje. W każdej scenie zadaj sobie pytanie, jaki jest cel sceny, jaki jest nastrój lub ton i jakie są najważniejsze rekwizyty, postacie lub momenty. Jak możesz zwrócić uwagę na te rzeczy?
- Znajdź najważniejszy element sceny i znajdź sposób na przyciągnięcie uwagi publiczności w każdym ujęciu, powiększanie go, wyśrodkowanie, przybliżanie itp.
- Gene Wilder nie był scenopisarzem, ale myślał jak komik wizualny. W Willy Wonce słynne intro, w którym „przypadkowo” potyka się, upada i turla przy gromkim aplauzie, zostało narysowane przez niego jako sposób na przedstawienie Wonki jako zabawnego, dziwnego i ukrywającego się za komiczną fasadą.
Krok 2. Unikaj płaskich, dwuwymiarowych kompozycji, zawsze ustawiając aparat pod odpowiednim kątem
To, czego nie chcesz, to całkowicie płaska podłoga, w której kamera jest ustawiona pod kątem prostym do podłoża. Nieznaczne przechylenie ujęcia nadaje Twojej storyboardzie trzy wymiary, nawet jeśli jest to tylko niewielka zmiana. Proste ujęcia prawie nigdy nie są tak ekscytujące, jak dynamiczne kompozycje 3D.
- Wykorzystaj również pierwszy plan i tło na swoją korzyść – nie umieszczaj wszystkich postaci lub rzeczy na tej samej linii głębi.
- Nie zapomnij też o dalekim, odległym tle - to dobre miejsce na stworzenie głębi.
- Oczywiście istnieje wiele powodów, aby złamać tę zasadę, np. stworzenie idealnie symetrycznego ujęcia. Po prostu dowiedz się, dlaczego łamiesz zasadę, zanim to zrobisz.
Krok 3. Zapewnij motywację do odcięcia kamery zamiast zmiany ujęcia
Zwykle jest to oczywiste – jeśli mówi inna postać, musisz ją wyciąć, aby ją pokazać. Jeśli ktoś usłyszy za sobą hałas, skrócisz się do miejsca, z którego pochodzi dźwięk. Wszystkie dobre cięcia muszą mieć jakiś powód do powstania – czy to fabuła, postacie, odwrócenie uwagi, czy czysto artystyczny wybór.
Jednym z najsłynniejszych cięć w historii jest film 2001: Odyseja kosmiczna, w którym reżyser Stanley Kubrick tnie z latającej broni na satelitę w kosmosie. Jednym cięciem wypełnia lukę między człowiekiem pierwotnym a człowiekiem przyszłości, jednocześnie sugerując, że niewiele się zmieniło poza otoczeniem
Krok 4. Użyj kąta kamery, aby wskazać relacje i uczucia między postaciami
Kąt ujęcia mówi widzom, co sądzą o postaciach lub scenach. Możesz wykorzystać ten fakt na nieskończone sposoby i zawsze powinieneś zadać sobie pytanie, w jaki sposób kąt kamery pomaga lub utrudnia punkt ujęcia. Na przykład:
- Spoglądanie z góry na postać sprawia, że wydają się słabe, przestraszone lub bezsilne. Patrzenie w górę sprawia, że ktoś wydaje się silny, pewny siebie i dominujący.
- Ekstremalne kąty, takie jak bardzo wysokie, bardzo niskie lub utytułowane ujęcia, pokazują zamieszanie, strach lub odrywające się od ściany wrażenia, takie jak podróż z narkotykami.
Krok 5. Spróbuj napisać scenę jako prozę, jeśli masz trudności z rozpoczęciem
Siadanie i rozpoczynanie sceny, dokonywanie trudnych wyborów, takich jak kąt kamery i kompozycja, jest trudne, jeśli nie jesteś jeszcze pewien, w jakim kierunku chcesz podążać. Dobrym krokiem pośrednim jest napisanie sceny jak opowiadania. Które fragmenty są tak ważne, jakie szczegóły ukazują się podczas pisania i jakie są kluczowe czynności w każdym ujęciu? Następnie możesz edytować ten miniskrypt jako ćwiczenie przed rysowaniem.
Trzymaj się zaledwie 1-2 opisów dla każdego ujęcia lub sceny. Nie piszesz powieści, piszesz przewodnik
Krok 6. Studiuj kinematografię
Scenorysy są w istocie ćwiczeniem ujęć filmu. W związku z tym ich celem jest użycie tablic do ustawienia rzeczywistych świateł, kamer i zestawów, aby naśladować ujęcie, które narysowałeś. Zagłębienie się w rodzaje ujęć, kompozycję kolorów, kąty kamery i nie tylko znacznie zwiększy Twój zestaw narzędzi jako twórcy scenariuszy.
Rysowanie scenorysu jest tanie, ale strzelanie nie. Jeśli pracujesz nad większym filmem, musisz znać trudność ujęć, aby wiedzieć, czy są one wykonalne. Ujęcia z dużej wysokości mogą wyglądać niesamowicie i pasować do filmu, ale filmowanie helikopterem jest bardzo drogie
Metoda 3 z 3: Storyboarding jak profesjonalista
Krok 1. Poznaj terminologię typowych kątów kamery
Nie polegaj po prostu na rysowaniu, aby przekazać swój punkt widzenia – świat filmu jest pełen słownictwa, które ułatwia twoją pracę, a twoje storyboardy są bardziej precyzyjne. Zapisywanie kątów kamery pomaga ekipom filmowym szybko zobaczyć, na jakie ujęcia muszą się przygotować, i pozwala sprawdzić, czy przypadkowo nie powtarzasz wyboru ujęcia.
-
Ustanawianie ujęć:
Szybkie ujęcia, które ilustrują scenografię, lokalizację lub pozycję początkową postaci.
-
Pełny, średni, blisko, ekstremalnie blisko:
Jeśli pokazujesz postać, ile pokazujesz? Full (FS) pokazuje całe ciało, Medium (MS) pokazuje talię w górę, Close (CU) pokazuje ramiona i głowę, a buty Extreme Close Up (ECU) tylko twarz.
-
Strzał w górę / Strzał w dół:
Strzały w górę spoglądają na postać, podczas gdy strzały w dół spoglądają z góry. „Oko robaka” i „Oko ptaka” to ekstremalne wersje każdego z nich.
-
Przez ramię (OTS):
Jednym z Twoich najważniejszych terminów jest to, że te ujęcia przedstawiają jedną osobę lub rzecz z boku kadru, odwróconą tyłem, patrząc na inną. Bardzo często w rozmowach między dwojgiem ludzi.
-
Dwustrzałowy:
Gdy obie postacie, zwykle rozmawiające ze sobą, znajdują się w kadrze jednocześnie. Podczas rysowania dialogów dwa ujęcia często przeplatają się z ujęciami OTS.
- Zdjęcia POV Są po prostu wtedy, gdy kamera naśladuje punkt widzenia postaci.
Krok 2. Zapoznaj się z ruchami kamery, aby zilustrować ruchome lub zmieniające się ujęcia
Poniższa lista nie jest wyczerpująca, ale jest dobrym podkładem do pisania spójnych storyboardów. Za każdym razem, gdy chcesz go dodać, zapisz rzeczywisty ruch kamery w scenorysie.
- Śledzenie jest wtedy, gdy kamera śledzi akcję bez cięcia, jak podążanie za kimś idącym ulicą. Użyj strzałek, aby wskazać ruch i w razie potrzeby wiele klatek.
- Patelnie są wtedy, gdy kamera po prostu obraca się w jednym kierunku, często podążając za poruszającą się postacią lub odsłaniając coś w jej pobliżu. Narysuj strzałkę ilustrującą kierunek kamery.
- Samochody ciężarowe to moment, w którym kamera fizycznie wsuwa się lub wysuwa. Wyobraź sobie ujęcie telewizora, a następnie kamera powoli „podjeżdżająca” z powrotem, by pokazać rodzinę oglądającą telewizję w salonie. Użyj 4 linii, skierowanych od środka ekranu do rogów, aby pokazać ciężarówki.
- Skupienie w szafie jest wtedy, gdy masz rozmazany obiekt w tle i wyraźny obiekt na pierwszym planie, wtedy ostrość przesuwa się z jednego na drugi (może też iść w odwrotnym kierunku). Narysuj linię wskazującą, gdzie zaczyna się fokus i dokąd się przemieszcza.
Krok 3. Zrób odpowiednie notatki przejść między ujęciami
Poniższe cięcia są jednymi z najczęstszych w filmie i należy je odnotować w scenorysie. Każdy z nich wymaga małego rysunku obok słów, wizualnie przedstawiającego przejście. Zacznij od małego prostokąta, reprezentującego ekran, tuż przed dialogiem, a następnie wypełnij ten prostokąt swoim przejściem:
-
Pojawiać się i znikać:
Dzieje się tak po prostu, gdy obraz pojawia się lub znika powoli z pustego ekranu. Aby uzyskać efekt zanikania, narysuj trójkąt skierowany w lewo. Aby zaciemnić, narysuj trójkąt skierowany w prawo.
-
Krzyżowe rozpuszczanie:
Kiedy jeden obraz powoli przechodzi w następny. Aby to narysować, zrób w pudełku dwa przecinające się trójkąty, zaczynając od wszystkich czterech rogów. Jest to zanikanie i zanikanie nałożonych na siebie rysunków.
-
Wytrzeć:
Kiedy jeden obraz fizycznie przesuwa się po ekranie, odsłaniając następne ujęcie pod nim. Po prostu narysuj pionową linię na środku prostokąta i biegnącą przez nią strzałkę, aby wskazać, w którą stronę porusza się pierwszy obraz.
Krok 4. Zapamiętaj podstawowe instrukcje blokowania, aby pomóc ustawić scenę i aktorów
Poniższe terminy odnoszą się do miejsca obiektu w ujęciu. Może również pomóc w kierowaniu ruchem, na przykład gdy postać przechodzi z tyłu ujęcia do przodu, co można wyrazić jako „BG → FG”.
-
Pierwszy plan (FG):
Obszar zbliżony do kamery.
-
Środek (MG):
Środek kadru
-
Kontekst (BG):
Są najdalej od aparatu.
-
Poza ekranem (O/S):
Pomocne w przypadku hałasu, dialogów itp., których widzowie nie widzą, lub gdy postać wejdzie lub całkowicie wyjdzie z kadru.
-
Nakładka (OL):
Gdy jeden obiekt lub obraz nakłada się na inny, ale oba są widoczne.
Krok 5. Prawidłowo oznacz swoje strzały, aby reszta załogi mogła je przeczytać
Ogólnie rzecz biorąc, „scena” w scenorysie w rzeczywistości odnosi się do nieprzerwanego ruchu kamery, a nie do pełnego wydarzenia. Sceny te są dodawane razem, tworząc „sekwencję”, która jest całą akcją, konwersacją, którą przedstawiasz (co zwykle nazywasz „sceną”).
- Za każdym razem, gdy aparat wykonuje cięcia, należy zmienić numer sceny, aby wskazać nowe ujęcie.
-
Jeśli pojedyncza scena wymaga wielu działań, a wszystko to bez zmiany kamery, są one oznaczone jako panele.
Jeśli jedno ujęcie wymaga trzech scenorysów, każdy panel oznaczysz jako 1/3, 2/3 i 3/3.
Krok 6. Dąż do jasności, a nie do perfekcyjnych symboli lub słownictwa, jeśli jesteś zdezorientowany
Ostatecznym celem storyboardu jest wizualne opowiedzenie filmu, a nie zdanie testu ze słownictwa. Chociaż zawsze powinieneś starać się nauczyć terminologii, chcesz, aby scenorysy były łatwo czytane przez reżyserów, operatorów i resztę załogi. Jeśli masz pomysł, ale nie wiesz, jak go wyrazić, wykorzystaj swoje umiejętności rysowania, aby przekazać go tak prosto, jak to możliwe. Strzałki, notatki i wiele paneli powinny być używane do dzielenia się kreatywnymi pomysłami, gdy słowa nie wystarczą.
- Wyobraź sobie długie, pojedyncze ujęcie, jak początek Wściekłego Byka. Chociaż nie ma cięcia, nigdy nie zmieścisz tego ujęcia w jednym panelu. Aby zaplanować strzał, trzeba było połączyć wiele paneli ze strzałkami, notatkami i dialogami.
- Powyższe listy słówek są dalekie od ukończenia - są setki słów, ujęć i wskazówek, których używa profesjonalny scenopisarz. Aby być profesjonalistą, powinieneś stale wyszukiwać terminy zawodowe.
Wideo - Korzystając z tej usługi, niektóre informacje mogą być udostępniane YouTube
Porady
- Jeśli to pomoże, możesz złożyć kartkę papieru na 6 kwadratów, aby łatwo oprawić sceny lub pobrać bezpłatny szablon storyboardu z Internetu.
- Oprogramowanie do tworzenia scenorysów często ma bazę danych, która pomaga śledzić informacje o skrypcie, rekwizyty, lokalizacje, kierunki kamery itp.
- Podczas tworzenia scenorysów pamiętaj o swoich odbiorcach. Pomyśl o tym, że chcą zobaczyć, a nie o tym, co chcesz narysować.
- Nie musisz perfekcyjnie rysować każdej klatki - szorstki szkic jest całkowicie w porządku.
